Grand artisan du stop-motion local, Virgilio Villoresi fait ses débuts en tant que réalisateur de long métrage avec Orphée, une adaptation libre du « Poème comique » de Dino Buzzati, considéré par beaucoup comme le premier roman graphique italien. Un voyage personnel et original.
Le pianiste Orfeo (Luca Vergoni) tombe amoureux de la danseuse Eura (Giulia Maenza). À la mort de ce dernier, il la revoit sous une forme éthérée alors qu'elle franchit une porte mystérieuse, dans la même rue où il habite lui-même. Il prendra courage et décidera de franchir un seuil théoriquement interdit aux vivants, explorant un au-delà qui fait écho à son Milan des années soixante, dans l'espoir de récupérer Eura et de la ramener avec lui, la ramenant à la vie.
Ce que vous avez lu est le seul élément qui puisse réellement être raconté sur ce précieux premier long métrage de Virgilio Villoresi, un auteur indépendant visionnaire. Spécialisé dans l'animation stop-motion, mais en général dans tous les effets visuels possibles pouvant être générés en tournage et non en post-production, Villoresi a signé en près de vingt ans des courts métrages, des clips vidéo et des publicités à la reconnaissance internationale (visibles sur son site officiel : https://www.virgiliovilloresi.com/). Cependant, si le pas vers le long métrage est compréhensible sur le plan ambitieux, sur le plan pratique il peut contraindre certains auteurs à des compromis, vers une uniformisation du fond ou de la forme, au gré de financements plus importants. Ici, Villoresi a admirablement évité ce risque, non seulement en faisant d'Orfeo une entreprise totalement indépendante avec le label Fantasmagoria, mais en choisissant une boussole créative parfaite : « Poème comique » de Dino Buzzati, une œuvre expérimentale publiée en 1969 et considérée par beaucoup comme le premier roman graphique italien.
Buzzati avait choisi de réinterpréter à sa manière le mythe d'Orphée et d'Eurydice, dans une séquence de tableaux pénétrants, accompagnés d'un texte tantôt lyrique, tantôt immédiat. Le livre, empreint d'érotisme et de suggestions visuelles provenant des sources les plus disparates, de la photographie au pop art, en reconnaissait certaines dans les remerciements explicites de l'écrivain en première page. Tout comme Buzzati, Villoresi est aussi un auteur qui cherche les étapes de son propre imaginaire dans les références à d'autres artistes, découvrant sa propre voix dans le choix raisonné d'éléments hétérogènes : dans son cas, il y a beaucoup de cinéma, du plus classique des Nuits Blanches à la fascination pour l'expérimentation animée de Jan Švankmajer. Ainsi, au-delà du thème narratif, Villoresi a judicieusement choisi un chemin qui lui ressemble, pour trouver la force nécessaire pour franchir la ligne d'arrivée de cet Orphée, fruit de deux ans et demi de travail dans son « atelier ».
Cependant, il ne faut pas croire que reconnaître les citations soit essentiel pour entrer dans ce monde onirique, tout comme il n'était pas nécessaire de le faire avec le livre de Buzzati : les références non seulement au cinéma, mais aussi à l'architecture et à la photographie, existent par nécessité instinctive, et non pour alimenter ce jeu d'appartenance à une sorte de club imaginaire qui inclut des auteurs et un public « nerd ». Ce sont des rappels conscients, mais pas manipulateurs. En effet, vous serez peut-être encore plus impressionné en les ignorant.
Cela vaut la peine de regarder Orphée pour remplir vos yeux et vos oreilles d'un cinéma très rare dans notre panorama : le grotesque imaginatif, déstabilisant, qu'il ne faut pas confondre avec l'horreur, étant donné qu'il n'a pas nécessairement la peur pour objectif. Même si Villoresi ne l'a jamais cité parmi ses références, on a respiré quelque chose des moments les plus hallucinatoires de Fellini (bien que remerciés par Buzzati) dans un Amarcord ou dans La Voix de la Lune, dans une saveur antiréaliste qui transparaît dans tous les choix esthétiques, photographiques et scénographiques. Habitué à l'animation, Villoresi la combine avec les corps humains de ses acteurs très physiquement centrés, les remplaçant même par des homologues animés dans des plans longs stylisés. Grâce également à une utilisation symbolique de la couleur et de la lumière, Orfeo devient un film intemporel, malgré la fascination pour l'esthétique des années 60 : il échappe à la fois à la manière de raconter et d'agir à laquelle nous sommes habitués, et au besoin de parler du présent. Le thème d’Orphée est après tout l’éternité, et en parfaite cohérence le film lui-même est éternel.
En moins d’une heure et vingt minutes, vous entrez et sortez d’un monde à part, que Villoresi a construit de manière totalement concrète : il n’est même pas nécessaire de parler d’IA, car nous sommes même loin du numérique. Ce cinéma tourné sur pellicule vise à réduire au minimum les interventions de post-production : entre tournage en direct, miniatures, animation découpée (papier découpé), stop-motion classique et astuces optiques, il peut être contagieux dans le désir presque enfantin de façonner de ses propres mains chaque étincelle de son imaginaire. C'est le même abandon sincère qui se lit dans les yeux des jeunes interprètes, Vergoni et Maenza, qui ont partagé avec Villoresi la petite grande entreprise d'Orfeo.
